ARTE CONTEMPORÁNEO

El término arte contemporáneo ha sido utilizado para designar genéricamente el arte y la arquitectura realizados durante el S. XX. El cuestionamiento de los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del S. XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del S XX. Esta revolución estética no depende de los arbitrios de una generación de artistas, ya que estos no hacen más que traducir las concepciones intelectuales y sociales de un momento histórico. Por tanto, son los cambios filosóficos, científicos y políticos los que exigen del arte una forma diferente de afrontar la realidad.

A finales del S. XIX y principios del S. XX Europa vivía en una situación caracterizada por la inestabilidad social, la rivalidad económica y política entre las distintas naciones, que desemboca en la Primera Guerra Mundial, y una fecunda productividad en el ámbito científico e intelectual. En ello el arte se vio afectado y empezaron a surgir múltiples corrientes que se denominaron "ismos", eran las diferentes rupturas con los modelos de belleza dominantes en la época. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre sí. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico, hasta la II Guerra Mundial tienen lugar las primeras vanguardias artísticas o vanguardias históricas, mientras que pasada la guerra aparecen las segundas vanguardias y el postmodernismo.

Entre  ellos  se  encuentra  el fauvismo 

El  Cubismo, futurismo, el movimiento dadaista, el surrealismo y el vanguardismo.

NEO-CONCEPTUAL

arte Neo-conceptual describe las prácticas del arte que derivan de arte conceptual movimiento de los años 60 y del 70s.

Muchas de las preocupaciones del movimiento del “arte conceptual” apropiado han sido tomadas por muchos artistas contemporáneos puesto que la onda inicial de artistas conceptuales. Mientras que muchos de estos artistas pueden no llamarse los “artistas conceptuales”, las ideas tales como anti-commodification, crítica social y/o política, y las ideas/información como medio continúan siendo aspectos del arte contemporáneo, especialmente entre los artistas que trabajan con arte de la instalación, arte del funcionamiento, net.art y electrónico/arte digital. Muchos críticos y artistas pueden hablar de los aspectos conceptuales de un trabajo dado del artista o de arte, reflejando la influencia que aguanta que muchos de los artistas conceptuales originales han tenido en el mundo del arte.

Moscú Conceptualists, en los años 70 y el 80s, procuró derribar ideología socialista usando las estrategias de arte conceptual y arte de la apropiación. Las figuras centrales eran Ilya Kabakov y Komar y Melamid. El grupo también incluido Eric Bulatov y Viktor Pivovarov.

Los artistas neo-conceptuales notables de los E.E.U.U. de los años 80 incluyen Sherrie Levine, Máquina de hilar Holzer, Príncipe de Richard, Louise Lawler, Cindy Sherman, Marque a Lombardi y Barbara Kruger.

Artistas británicos jóvenes , conducido cerca Damien Hirst, vino a la prominencia en los años 90 y su trabajo fue descrito en ese entonces como neo-conceptual, aun cuando confía muy pesadamente en el objeto del arte para hacer su impacto. El término se utiliza en lo referente a ellos sobre la base que el objeto no es las ilustraciones, ni es a menudo a objeto encontrado, que no ha necesitado habilidad artística en su producción. Tracey Emin se ve como un YBA principal y neo-conceptualist, aun cuando ella ha negado que ella es y ha acentuado la expresión emocional personal. Charles Harrison, miembro del grupo conceptual del arte Arte y lengua en los años 70, critica el arte neo-conceptual de los años 90 como arte conceptual “sin amenaza o dificultad”y una perspectiva “vacante”.

Otros artistas notables se asociaron a neo-conceptualism en el Reino Unido incluyen Credo de Martin, Liam Gillick, Bethan Huws,Simon Patterson, Simon Starling y Douglas Gordon.

APROPIACIONISMO

“La obra de arte ha sido siempre fundamentalmente susceptible de reproducción. Lo que los hombres habían hecho, podía ser imitado por los hombres. Los alumnos han hecho copias como ejercicio artístico, los maestros las hacen para difundir las obras, y finalmente copian también terceros ansiosos de ganancias. Frente a todo ello, la reproducción técnica de la obra de arte es algo nuevo que se impone en la historia intermitentemente, a empellones muy distantes unos de otros, pero con intensidad creciente” Sherry Levine (principal exponente del apropiacionismo)

Tal vez para muchos, la idea más clara de lo que es el apropiacionismo los refiera a la copia, en este caso, en el discurso del arte. Otros en cambio, pueden confundirlo con plagio y con algo ausente de encanto, originalidad e ideas propias y únicas. Sin embargo, es preciso reconocer que el apropiacionismo se convirtió en el recurso preferido de una serie de artistas de comienzos de la década de los ochenta como lo fueron Sherrie Levine, Louise Lawler, Allan McCollum o Fred Wilson, Martín Prada entre otros, quienes “copiaron” obras de otros autores, pero les imprimieron un sello propio, que aunque era difícil de captar a simple vista, estaba presente en cada obra, negando de esta manera una forma de plagio.

Esto se vio reforzado, cuando nacieron algunas teorías, las cuales afirman que la apropiación consiste en tomar una obra de arte para producirla nuevamente manteniendo tanto sus motivos como la técnica empleada y que aunque el resultado de esta acción es una obra exactamente igual (visualmente) a la primera, el hecho de ser realizada por otro artista, hace que la obra no sea igual a la primera “Aunque la obra sea la misma a una existente, al fin y al cabo, allí detrás tendríamos una subjetividad, una vida psíquica, una emocionalidad en trabajo … un autor”.

ARQUITECTURA HIGH TECH

s un estilo arquitectónico que se desarrolló durante los años setenta. Toma su nombre del libro: The Industrial Style and Source Book for The Home, publicado en 1978 por Joan Kron y Suzanne Slesin. El libro muestra abundantes ejemplos de obras donde priman los materiales industrializados particularmente utilizados en techos, pisos y muros.

Otro término utilizado para identificar este estilo es el de Tardo Modernismo, de cualquier forma, inicialmente la arquitectura High Tech implicó una revitalización del Movimiento Moderno; un desarrollo natural de las ideas precedentes pero apoyado en lainnovación y la tecnología. Este período hace de puente entre el Movimiento Moderno y el Postmodernismo; se insinúa en uno de esos períodos grises donde no hay un límite claro entre el fin de un período y el inicio de otro. Podría decirse que se retoma un estilo que agonizaba como el Movimiento Moderno, se lo reinterpreta a partir de darle una fuerte imagen tecnológica y se lo lanza persistiendo hasta el presente.

Había una desilusión creciente en la arquitectura moderna sobre el progreso y evolución de dicho estilo. La concreción de los proyectos de desarrollo urbano propuestos por Le Corbusier, condujo a una ciudad terriblemente monótona. Más cuando eran realizados en forma estandarizada. El entusiasmo por la construcción de edificios económicos condujo a la concreción de edificios con calidad de terminaciones extremadamente bajas. Muchos de los barrios residenciales diseñados degeneraron en sitios donde reinaba la disgregación social, la violencia y la delincuencia a lo largo del mundo. Como consecuencia la gente se desilusiona respecto de la imagen de progreso que se le proponía y en el mundo occidental comenzó a reconocerse el error que se había cometido.

De cualquier forma el desarrollo de la Arquitectura Moderna prevaleció y la sociedad se apropió de la estética moderna. Tomó además elementos del Movimiento Metabolista de los ´60 donde la tecnología llegaba al extremo de imaginar edificios y ciudades de Ciencia ficción. En estas ideas destacaron el grupo Archigram y arquitectos japoneses enrolados en el Metabolismo, comoKenzō Tange, Kiyonori Kikutake, Kishō Kurokawa y otros. Esto era de esperarse ya que los edificios modernos eran muy blandos y flexibles y la novedad de su aspecto estético se había adoptado. El High Tech es una respuesta a esto y crea una estética muy nueva: glorificando la fascinación por la continua innovación tecnológica.

GRAFFITI

El graffiti es  considerado como  una expresion  urbana, se dan mas que  nada en letreros, paredes etc... frecuentemente de  contenido politico o social, con o sin permiso del inmueble.

Hay eslóganes que  se  dan a  conocer mas  facilmente a  base de  estas  tecnicas.

Cuando otras ciudades castigan a todo aquel que quiera manifestar su ansia de arte urbano (metiendo en el mismo saco cualquier bombardeo o tags creado por gente que pilla un spray y no por un escritor de graffiti), hay otras que reconocen las pintadas al aire libre como un arte en potencia y, sabiamente, se aprovecha de ello para enriquecer su aspecto.

Es el caso de la ciudad de Ourense. Gracias a la alianza del Ayuntamiento con la asociación ARTE BRUTA, presidida por la artista Cristina de Padua, se está realizando una restauración de la ciudad pero llena de colorido. Así, ya no será necesario salir a las afueras para apreciar algo de graffiti, ya que en la misma Plaza de la Estrella se puede disfrutar de la obra de escritores que han colaborado para el engrandecimiento modernista del casco histórico de la ciudad.

A través de concursos, cosa que no es original porque hay muchos que lo hacen, se ha seleccionado al escritor ganador para decorar una de las zonas que, de momento, se están rehabilitando. Así, Rafael Jurado ha podido decorar un muro de 24 metros de largo por 5,5 de alto, en las pistas polideportivas de Ourense, en la que ha podido recrear su obra. Y, seguro, que esta iniciativa se irá extendiendo a otras zonas del interior de la ciudad y, por mímesis, a otras capitales.

Los puristas con respecto al arte y al aspecto de las ciudades parece que están despertando. No sólo ven el beneficio de que, pintando los muros con obras de artistas se ahorran que otros a modo de bombardeo inunden la ciudad de firmas, sino que, además, están creando un reclamo para futuras visitas turisticas. Es decir: se está elevando el graffiti a obra artística en toda regla.

FOTORREALISMO

El fotorrealismo es un género dentro de la pintura que se basa en hacer un cuadro a partir de una fotografía, considerada una variante del hiperrealismo.

El fotorrealismo evolucionó a partir del Pop Art y como contrapeso al Expresionismo abstracto y al minimalismo, a finales de los años sesenta y principios de los setenta en los Estados Unidos. Es un género cultivado sobre todo por pintores. La palabra Photorealism (Fotorrealismo) fue acuñada por Louis K. Meisel en 1968 y apareció impresa por vez primera en 1970 en un catálogo del Museo Whitney para la exposición «Twenty-two Realists».

Es un tipo de pintura que no puede existir sin la fotografía. Los fotorrealistas usan una cámara y la fotografía para reunir información y luego transfieren al lienzo esas imágenes (en algunas ocasiones por medios semimecánicos). El pintor tiene habilidad técnica suficiente para hacer que el resultado final parezca fotográfico.

Dentro de la primera generación de artistas estadounidenses fotorrealistas se encuentran pintores como Richard Estes y Chuck Close. En Europa el movimiento está representado por el suizo Franz Gertsch o el español Juan Francisco Casas.

Actualmente el fotorrealismo se ha extendido a niveles de diseño a partir de gráficos de ordenador siendo la aplicación artística de gráficos vectoriales bidimensionales Adobe Illustrator o aplicaciones de generación 3D las utilizadas para la generación fotorrealista.

POP ART

·  El Pop Art - Arte Pop - Arte Popular.

·  Fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años cincuenta

·  en Inglaterra y los Estados Unidos. Emplea imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.

·  Usaba imágenes conocidas con un sentido diferente para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad de consumo.

·  Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo.

·      El término Pop-Art fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1956, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi entre otros.

·  Los orígenes del Pop Art se encuentran en el dadaísmo.

·  El Pop Art encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana.

·  Las técnicas utilizadas por los artistas del Pop Art fueron totalmente libres, desde el collage y el frottage, hasta las técnicas pictóricas y escultóricas convencionales.

·      El collage se desarrolló como un medio para crear obras de arte casi totalmente a partir de elementos preexistentes, donde la contribución del artista habría de encontrarse más en establecer conexiones entre objetos, poniéndolos juntos, que en hacer objetos ya preconcebidos.

·       Los artistas pop pintaban en un lenguaje figurativo temas de la sociedad de consumo, como botellas de refrescos, paquetes de cigarrillos o envoltorios de chicle.

·  Su temática directa y clara lo convirtió en un arte accesible al público en general.

·      El arte pop se nutrió también de imágenes de las tiras cómicas infantiles, revistas, periódicos, del cine y de la televisión, de anuncios fluorescentes de grandes comercios y de tipografías chillonas.

Pop Art Inglés

·  En el Reino Unido el Pop Art empieza a gestarse en las discusiones que mantenían Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi y los críticos Lawrence Alloway y Reyner Banham, desde 1952, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA).

La exposición londinense This is tomorrow marca el inicio del pop-art