ARTE CONCEPTUAL

Fluxus

§  Es un movimiento neodadaísta que tiene como objetivo difuminar los

§  límites entre las artes.

§  Fluxus – flow – fluir

§  Nace en los sesentas, caracterizado por darle mas importancia a lo ético y no a lo estético.

§  Se definió como “antiarte”.

§  De este modo y con el denominador común Fluxus, podían observarse bajo una misma obra categorías tan dispares como la pintura, escultura, danza, música, cine, teatro, etc.

§  El primer festival Fluxus se realizó en 1962 en el Städtisches Museum de Wiesbaden.

§  George Maciunas, un artista y empresario lituano formado en diversas escuelas de arte de Nueva York, había planeado una serie de conciertos bajo el título Fluxus Festival Internacional de Música Novísima para septiembre de 1962. Durante cuatro fines de semana se presentaron artistas de diversas disciplinas en happenings y eventos con piezas de música de acción y composiciones de música concreta, en los que se tocaron cintas grabadas y se mostraron películas.

§  El concepto Fluxus fue pensado por Maciunas como título para una "revista internacional del más reciente arte y anti-arte, música y anti- música, poesía y anti-poesía, etcétera“.

§  Fluxus marco tendencia desde los 60’s hasta hoy.

§  Se realizan los performances, el arte de acción y los happenings, en un intento por destrozar los límites que separaban las disciplinas artísticas tradicionales y reconciliar el mundo del arte desde otra perspectiva.

  George Maciunas

  § Acuñó el término Fluxus (flujo de la creación, flujo de la vida), para bautizar un movimiento internacional que agrupó a

         norteamericanos y europeos.

  § Contra el objeto artístico tradicional como mercancía, se opone a la cultura de elite, como la ópera y el teatro, se 

        manifiesta a favor de las artes populares como el circo y las ferias.

  § Maciunas redactó un manifiesto, con definiciones del “mundo flux”, que resumía los objetivos de grupo:

  “Purguemos el mundo de la enfermedad burguesa, la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purguemos el 

      mundo del arte muerto, de imitación, de arte artificial, arte abstracto, arte ilusionista, arte matemático (...) “

  JOSEPH BEUYS

     ·  Para Beuys, "todo ser humano es un artista", y cada acción, una obra de arte. Con esa concepción ampliada del arte 

       despertó revuelo y desató debates en todo el mundo.

    ·  Las obras de arte eran para Beuys tan efímeras como la vida. Por ello nunca quiso crear obras para la eternidad, sino dar 

      impulsos para la reflexión.

    ·  El arte conceptual más puro no admite ninguna manifestación objetual, ni siquiera una imagen asimilable, quedando 

      limitado a el lenguaje escrito como obra de Arte.

   

     ·  Los artistas usan como soporte una revista en la cual se publican sus ideas.

     ·  Los artistas conceptuales están influidos por los avances científicos llegando a tener como elementos del arte las 

      matemáticas, la lógica, la sociología y la estadística como expresiones más desmaterializadoras que existen, puesto 

       que el número es la mayor abstracción del objeto.

    ·  El arte conceptual no trata de comunicar con sentimientos sino "Informaciones"; en él no hay color, no utiliza forma 

      alguna, no es subjetivo. El arte, debía dirigirse más a la mente del espectador que a su mirada.

    ·  La idea en sí, aunque no aparezca visualizada, es tanto una obra de arte como producto final. Todas las etapas 

     intermedias - anotaciones, esbozos, dibujos, modelos, búsquedas, pensamientos, conversaciones - son presentados como 

     "la obra". Ya que revelan el proceso intelectual del artista.

        

MINIMALISMO

Es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo barajó conceptos diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra.

Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los volúmenes y formas en escultura. De forma análoga proceden en la arquitectura o en la pintura. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones.

Pintura

"Severinda" (1995)       Frank Stella    

La Pintura minimalista es la aplicación del minimalismo al campo pictórico. Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose durante los años 1970. Forma parte del Minimal Art, que suele traducirse como Arte minimal.

 Se considera que es una reacción contra las formas pictóricas del expresionismo abstracto. Como influencia del minimalismo en la pintura se cita a Ad Reinhardt y sus «pinturas negras», realizadas al final de su vida. Igualmente, se cita como precedente la tendencia Color-field painting, dentro del expresionismo abstracto. Estas obras reduccionistas estaban en claro contraste con las pinturas «mínimas» pero llenas de energía de un Willem de Kooning o Franz Kline y tendían más hacia la pintura de los campos de color de Barnett Newman y Mark Rothko. También se ha apreciado la influencia del constructivismo en esta tendencia.

Los pintores minimalistas recibieron, además, las influencias del compositor John Cage, el poeta William Carlos Williams, y del arquitecto Frederick Law Olmsted. De manera explícita afirmaron que su arte no era una expresión de sí mismos, en completa opocición a los expresionistas abstractos de la década precedente. Muy pronto crearon un estilo minimalista, entre cuyos rasgos estaban: formas rectangulares y cúbicas, que no eran metáfora de nada; igualdad de las partes del cuadro, repetición, superficies neutras, materiales industriales, todo lo cual lleva a un impacto visual inmediato. Suelen realizar telas de gran formato en los que predomina, ante todo, el color.

El primer pintor a quien se relaciona específicamente con el minimalismo fue Frank Stella, cuyas pinturas a rayas fueron destacadas en la exposición de 1959, «16 Americans» (Dieciséis americanos), organizada por Dorothy Miller en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La anchura de las rayas en las pinturas de Stellas quedaban determinadas por las dimensiones de la madera usada para construir el marco que sujetaba al lienzo. En el catálogo de la exposición, Carl Andre señaló que «el arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha entendido necesario pintar rayas. No hay nada más en esta pintura». Aunque a partir de esta exposición, Stella recibió una atención inmediata, artistas como Ralph Humphrey y Robert Ryman habían comenzado a explorar formatos monocromáticos a finales de los años 1950.

Posteriormente, en los años ochenta, se produjo una renovación de la pintura minimalista con las tendencias Neo-geo y Neo-minimal.

Escultura

"Intitulado"   (Seis cajas)         Donald Judd

En escultura, el Minimal Art se concretó en formas geométricas simples que no representaban ninguna imagen. Los escultores minimalistas encargaban sus obras a industriales y trataban de no participar en el proceso para que en la pieza no hubiera «ningún rastro de humanidad». La intención explícita de los minimalistas era eliminar en lo posible lo superfluo (no entendieron que es esencial al arte el ser superfluo). El minimalismo se contagió a todas las artes, incluso a la arquitectura. Las modernas plazas duras que invaden actualmente las ciudades europeas son fruto de este espíritu.

Arquitectura 

"Pabellón Aleman"(1929)          Ludwig Mies Van Der Rohe 

El minimalismo arquitectónico surge a finales de la década del 60 en Nueva York, pero sus orígenes están anclados en Europa, en las primeras ideas del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los arquitectos más importantes de este siglo.

HIPERREALISMO

Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el Hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El Hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.

Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.

Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.

En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.

Son importantes representantes de esta tendencia D. Hanson, J.Salt, D. Eddy, C. Clarke, J. de Andrea, J. Harvorth, A. Dworjowitz, C. Bravo., entre otros.


 A. Dworjowitz

LAND ART

En la década de los setenta del siglo XX hubo varios artistas, en especial norteamericanos y europeos, que comenzaron a elaborar obras de arte a partir del medio natural. A esta corriente artística contemporánea se le llama LAND ART (y a veces Earth Art) porque sus creaciones usan el paisaje como soporte (escenario) o materia prima de la obra. Su principio fundamental es alterar, con un sentido artístico, la superficie de la Tierra. Muchas de estas obras tienen proporciones monumentales y la mayoría se realizan y ubican en sitios remotos, lejos de la mirada del espectador: en la ribera de un lago, en un escarpado paisaje rocoso, en una isla, en un campo abierto al pie de las montañas, en el bosque. Es evidente que hay muchos tipos de obras en esta corriente porque hay muchos fenomenos y por decirlo de alguna forma, muchas cosas que explorar y registrar en la naturaleza.

Algunos exponentes conocidos del LAND ART: Christo & Jeanne-Claude, Eduardo Sanguinetti (precursor en América Latina), Robert Morris, Dennis Oppenheim (el artista de la nieve) y Walter De María, entre otros.

Land Art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste estadounidese a finales de losaños sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes).

El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisajeen donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte povera.

BODY ART

El arte corporal es un estilo enmarcado en el  arte conceotual, de gran relevancia en los años 1960  en Europa  y, en especial, en Estados Unidos.  

Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo  o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.

Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento.

·  Las demostraciones se plasman en la piel.

      ·  Unos utilizan su propio cuerpo y otros solo representaban el cuerpo humano de cierta manera.

      ·  Utilizan mucho el performance.

      ·  Surge a finales de los 60’s.

      ·  Sus antecesores directos son los dadaístas.

    Accionismo Viennes

      ·  Realizaban sacrificios con animales.

      ·   En 1968, Günter Brus (que llegó a decir que la destrucción era un elemento fundamental de su arte) fue arrestado por   

       “degradar los símbolos del país” en su obra Kunst+Revolution (Arte+Revolución). No obstante, tras seis meses de condena 

         logró escapar con su familia a Alemania.

      ·  Otto Mühl y Hermann Nitsch también cumplieron condenas por participar en varias “acciones” de carácter abiertamente blasfemo y violento.

      Marina Abramović

      Artista Serbia de performance  empezo su Carrera a los  comienzos de los años 70.

     El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las    

      posibilidades de la mente.

     En su primera performance exploró elementos de rituales y gestos. Usando veinte cuchillos y dos      

      grabadoras otro performance, Abramović intentó reevocar la energía del dolor corporal extremo, en

      este caso usando un gran estrella mojada en petróleo, la cual es encendida al comienzo de la  

      actuación.

   

     Hizo experimentos para probar si un estado de inconsciencia puede ser incorporado en una performance,   

     Abramović desarrolló una en dos partes.

     En la primera parte, ella tomó una píldora que se utiliza para la catatonia. Estando completamente sano,   

     el cuerpo de Abramović reaccionó violentamente a la droga, experimentando ataques y movimientos 

     involuntarios. Mientras perdía el control de los movimientos de su cuerpo, su mente estaba lúcida y  

     observaba todo lo que ocurría.

     Diez minutos después que los efectos de la droga pasaran, Abramović tomó otra píldora (utilizada por  

     personas depresivas y violentas) la cual da como resultado una inmovilización general. Físicamente ella 

     se encontraba presente, pero mentalmente no. Este proyecto fue uno de los primeros componentes de 

     sus exploraciones de la conexión entre cuerpo y mente, exploraciones que más tarde la llevaron al 

     tibet y al desierto de Australia.

     

     Marina relación entre el artista y el público, Abramović desarrolló una de sus performances mas   

     exigentes (y la más conocida). En ella adoptaba un rol pasivo, mientras el público la forzaba a realizar 

     la actuación.

     Colocó sobre una mesa 72 objetos que la gente le permitiera usar en la forma que ellos eligieran.   

     Algunos de estos objetos podían dar placer, mientras otros podían infligir dolor o incluso dañarla. 

     Entre ellos había tijeras, un cuchillo, un látigo, una pistola y una bala. Durante seis horas la artista  

      permitió a los miembros de la audiencia manipular su cuerpo y sus acciones.

     Inicialmente, la audiencia reaccionó con precaución y pudor, pero a medida que pasaba el tiempo 

     (y la artista permanecía impasible) mucha gente empezó a actuar muy agresivamente.

  
      
    ANA MENDIETA

     EXILIADA, POLÉMICA Y ESPIRITUAL, PERO ANTE TODO MUJER.

      Ana Mendieta nace en el año 1948, en la Habana (Cuba)

     En 1961, Mendieta se exilia con su hermana Raquelin a Estados Unidos, para salir del Régimen del    

     dictador Castro en el que estaba inmerso su país. En EEUU pasó varios años en los que no puso pie 

     en su país de origen, esto causó gran dolor psíquico a la artista, tanto, que en muchas ocasiones se 

     convierte en la temática principal de su obra.

     

    Ana Mendieta era una artista polifacética, que tocó distintos campos dentro del mundo del Arte 

    (performances, body art, vídeos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas), pero en cada uno que

     trabajó dejó su huella personal. 

  

     Ana Mendieta murió en 1985, a los 36 años de edad en New York, al caerse desde la ventana de su

     apartamento.  

    Gilbert & George

    Gilbert & George son dos artistas que trabajan juntos como un dúo de colaboración. Proesch Gilbert 

    ( San Martín de Tor , Italia , 17 de septiembre de 1943) y George Passmore ( Plymouth , Reino Unido 

      8 de enero de 1942) se han hecho famosos por su aspecto característico, muy formales y la forma y 

     sus colores brillantes obras de arte basado en foto-gráfico de estilo.

    Chris Burden

     (Boston, 1946), es un artista estadounidense conocido por sus performances.

     En el performance utilizaba pretendidamente una pistola cargada, pero las autoridades no fueron 

     capaceses  de probar esto.

      La reputación de Burden como artista comenzó a crecer a principios de los años 70 después de que  

      hiciera una serie de controvertidas performances en las que la idea del peligro personal como expresión

     artística fue central. Su obra más conocida de esa época fue quizás Shoot («Disparo») —realizada en 

     1971 en el F Space de Santa Ana (California)— en que una ayudante le disparó en su brazo izquierdo a una distancia de unos cinco metros. Otras performances de los años 70 fueron Five Day Locker Piece (1971), Deadman (1972), B.C. Mexico (1973), Fire Roll (1973), TV Hijack (1978) y Honest Labor (1979), obras en las que Burden se ha crucificado sobre un Volkswagen, gateado sobre vidrios rotos o se ha metido en un saco bajo un coche en medio de la calle. A partir de 1975 hizo pocas performances y  

    comenzó un período en el que creó instalaciones y objetos que se oponen a la ciencia y la política.

         

    Vito Acconci

     Vito Acconci (Nueva York, 24 de enero de 1940 - ) es un artista y poeta estadounidense cultivador del llamado 

        Arte Corporal, derivado del minimalismo escultorico.

     El proceso artístico de Vito Acconci sigue un camino singular y complejo. Se inició artísticamente como poeta a mediados 

     de los años sesenta. En sus obras trabajaba con la página en blanco como un espacio en el que se podía actuar, utilizando 

     las palabras como objetos para el movimiento, y la página como un contenedor.

     Sus acciones poéticas pasaron del papel a la galería de arte. Proponía una nueva definición del objeto material y un 

     espacio de encuentro entre el espectador y el artista. Empleó el vídeo hasta 1980, evolucionando a partir de aquí hacia 

     lo que él mismo denomino  arquitecturas autoenderezables. 

     En su faceta de provocador, exponía su propio cuerpo ocultando el pene entre sus piernas para aparentar un cuerpo femenino. En abril de 1972, en la Galeria Sonnabend de Nueva York, aparecía masturbandose  bajo una rampa por la que

      circulaba el público asistente, mientras por un altavoz se oían sus fantasías.

           En 2005 participó en el proyecto de arte público  Itinerarios del sonido, con una pieza que se presentaba en una parada 

            de autobús en la plaza de Jacinto Benavente, en Madrid.

FIGURATIVISMO BRITÁNICO

es un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción, aunque los pintores tratan el tema de una manera informal y de manera expresionista. Surge como reacción al arte abstracto tras la Segunda Guerra Mundial, en especial durante los años 1950 y 1960.

El término «neo-» y «figurativo» surgió en los años sesenta en México y España para representar una nueva forma de arte figurativo. En España se desarrolló hasta el año 1965, momento en el que se pasó a la figuración narrativa.

La nueva figuración preconizaba un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a representar la realidad («iconocidad»), en particular la figura humana, pero con las técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian tendenciasexpresionistas, en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas, como las obras de Francis Bacon, compuestas de manera desordenada (grupo Cobra).

Se desarrollaron dos orientaciones de este movimiento: la caracterizada por el análisis de la imagen y de sus estructuras (Adami,Raysse, Klasen, Proweller) y la centrada en la realidad social y política contemporánea (Arroyo, Equipo Crónica, Canogar, Aillaud,Parré).

También se habla de:

• Figuración abstracta: son representaciones que pueden verse en algunas obras de pintores por lo general abstractos, como de Kooning, Franz Kline, Wols, Asger Jorn o Antonio Saura.
• Figuración grotesco-primitiva: grupo Cobra, Jean Dubuffet.
• Figuración connotativa: Francis Bacon, grupo El Paso (Manolo Millares, Pablo Serrano...).

El pintor más representativo es el irlandés Francis Bacon, quien retrata la soledad, el horror y la angustia contemporáneas en sus figuras aisladas y deformes. Ejemplo: Estudios sobre el retrato del papa Inocencio X, de Velázquez.

Entre los artistas neofigurativos famosos se encuentran Jorge Figueroa Acosta, Fernando Botero, el Grupo Hondo (España), Antonio Berni, Verónica Ruiz de Velasco y Oswaldo Viteri.